上海琉璃艺术博物馆

上海琉璃艺术博物馆

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上海琉璃艺术博物馆

周末想去上海博物馆看一看，EnlingHe的介绍太吸引人了些。奈何去的晚了，前后两个门都排了老长的队伍，说是要2个小时以上才能进去；上海自然博物馆也是一般的状况；于是决定去田子坊转一转，意外收获琉璃艺术博物馆一枚。

一楼正中是张毅老师的《一抹红》哲学与诗意影像展，“人生如梦幻泡影，心中仍有一抹红。”

西面是博物馆餐厅，小有格调，休闲思考的好去处。东面是部分琉璃作品展示。

博物馆主展馆在二三楼，成人票20元，如果一楼让你看得不明所以的话，这20块是完全值得的。

特别的一间影像厅，放映的是张国立领衔的《非凡匠心》节目，张国立夫妇拜访张毅、杨慧珊夫妇，并拜师学艺的过程。也是对琉璃制作的一个初步了解过程。

二楼的其余房间从法国琉璃第一人埃米尔·加莱讲起，介绍了琉璃的发展，咱手机拍照不行，这里放一张法国安东尼·勒比里耶的《岁月之痕》。

艺术家们把色彩的运用已经达到神乎其技的地步，看到一朵花，马上就能说出来怎么做出这样的颜色效果，对色彩的解构以深入骨髓。

三楼其实是杨慧珊和张毅夫妇的展厅，外间是杨慧珊女士的“无相”系列作品：

佛存在的根本，是人的烦恼，对生命无常的不安。《金刚经》里说：“一切有为法，如梦幻泡影。”生命的虚妄短瞬，仿佛宇宙中的小小气泡。杨慧珊想象佛的慈悲，观想解脱困顿、不安的智慧，让她的心，平和安静。在似透非透的四方空间里，顿悟“非有非空”的自在无碍。

后两张是从官网转载的，因为我拍的确实失真了，完全看不出来。

杨慧珊女士，从1976年进入影视圈，到1986年，再次获金马奖后，与同时获金马奖的张毅导演退出影坛，创立琉璃工坊，历经30年，已重立中国琉璃工艺在国际的地位。张毅与杨慧珊夫妇互相扶持，历经大劫，深悉生命，创作更具灵魂。

时光不会辜负努力的人。

我在这里介绍的，只是两位匠人及整个琉璃艺术的冰山一角而已，相信身临其境，大家能收获更多。

魔都100｜在上海唯一的琉璃艺术博物馆，叹服这流光溢彩的美丽

上海琉璃艺术博物馆位于上海市泰康路25号，

是上海唯一的琉璃艺术博物馆，

占地面积为2400平方米，四层通高14.7米，

由台湾艺术家张毅、杨惠姗创办并设计。

高八米五的琉璃外墙，由四千八百块的琉璃砖堆砌而成，白天粗砺如天然的岩壁，夜晚却琉光异彩，它不仅是博物馆建筑的标志性象征，更如同“碑记”一般矗立在上海新天地，成为顶级时尚圈的代表。

重达一吨的巨型金色牡丹雕塑高挂在琉璃墙上，繁复的造型对应极简的西方建筑结构，展现传统与现代融合的中国风格。整个博物馆内外两道琉璃墙，共计一万两千片的琉璃砖，每一片都不一样，那是高温时，设计师以石块逐一在表面压凿出来，手工的砖墙，留下“工艺美术”最重要的“人”的质感。

博物馆内的设计以黑色为主要基调，稳重的呈现出既浪漫又严峻的中国文化风格，把所有的空间留给展品，让观者更容易看到琉璃深沉而丰富的层次，透明的或是色彩变化的琉璃在黑色中彰显，周围的光线降低，人的瞳孔随之放大，看见更多更繁复的细节。

在当代法国艺术里，

玻璃脱蜡铸造法，

自然是有几个必须认识的名字。

法国17世纪开始，当时有许多艺术家思考怎么让作品更有生命力。亨利．克罗斯，一位法国19世纪的雕塑家，起初他用蜡，因为蜡可以上色，但是蜡会消逝，是一种暂时性的材质，后来他发现玻璃有类似蜡的性质，却可以永久保存，并能直接在雕塑中融入色彩，这样的发现令他惊喜，因为玻璃能同时将“光”和“色彩”融入材质本身，使得雕塑的颜色不再只是存在材质表面，而是进到材质的内部，玻璃中的色彩，让艺术产生了更丰富的生命力。这个发现，也让亨利．克罗斯成为法国脱蜡铸造历史性代表人物。

法国，弗朗索瓦．德孔西蒙的名字，等于Pate-de-verre。他在技法精进上，德孔西蒙发展了无数独创的特色，尤其在“定色”有着重大突破。身为莫内好友，德孔西蒙深受印象派的光影及色彩影响。他希望能用玻璃呈现如绘画般的美感。在那个只有煤炭窑炉的时代，德孔西蒙凭藉对玻璃材质的深刻理解，将“定色” 创作技法推进到了令人惊愕的高度！在他的眼里，一朵玫瑰花的颜色，是60%的黄金、30%的白金，和10%的锡和其它金属氧化物。

在巴黎圣奥德列教堂和出生地孔榭的教堂里，镶嵌玻璃，由他一块一块铸造，再一块一块拼贴。每一块色彩层次极其繁复，让光线与色彩达到最极致的表现。

而在德孔西蒙的窑炉边，他的孙儿同样继承了他的艺术血液。安东尼．勒彼里耶、艾蒂安．勒彼里耶延续了法国Pate-de-verre艺术创作，在两兄弟的创作中，空间和哲学的新理念在玻璃艺术中延续着新的传奇。

《向光飞行》

■为了透光，作品的厚度几乎薄如纸张；然而它的珍贵，不仅仅只是制作的技巧，而是德孔西蒙对更高生命价值的关怀。

■有一种说法，如果将蜜蜂关在玻璃瓶里，只给一个光源，因为向光性，蜜蜂会毫不犹豫的朝光而去；可是飞不出去，于是它会无止尽的尝试，直到它死亡为止。在工业革命年代，飞速运转的世纪，蜜蜂成了一种反抗的姿态，也代表艺术家的某种精神向往。艺术不能只是装饰，而是一种精神象征，才能不朽。

二楼展厅介绍

茱丽叶．勒彼里耶

法国玻璃现代诗人亚洲个展（到2019.3.31）

茱丽叶．勒彼里耶，1984诞生于一个法国百年脱蜡铸造世家；她的曾祖父弗朗索瓦．德孔西蒙、父亲艾蒂安．勒彼里耶、叔父安东尼．勒彼里耶，皆是世界认可的玻璃艺术大师。从小，她在父亲工作室的窑炉旁，玩耍、成长，担任父亲的助手，但是她抗拒这种“理所当然”成为玻璃艺术家的选择。

求学时期，茱丽叶在欧洲大学之母：巴黎索邦大学的精英教育下，透过研究不同的艺术媒介，以此远远逃离脱蜡铸造。但她学的愈多，愈为玻璃深深着迷。在察觉之前，玻璃的魅力已如病毒般入侵了她。

对此，茱丽叶．勒彼里耶说：“即使没有家族的关系，我想我仍然会成为玻璃艺术家。”

经历多年的挣扎、自问自答，她终于决定不再犹豫，2014年，父亲过世后继承工作室，并在同年赢得Atelier d’Arts de France比赛。继承之后更大的挑战，是如何超越，并走出自己的创作之路。

身为二十一世纪新生代玻璃艺术家的超新星，茱丽叶以充满哲学的沉思，独特诗意的笔调，精炼成28件绽放永恒炽爱光芒的作品。一首首宇宙与玻璃交织而成的炽爱乐章，盈满追寻、探索、温润、欢愉的音乐感，抚慰每一个需要爱的心灵。

《自由式》

■一个支点构筑起的完美平衡，如同狂涛被冰冻凝结，停留在永恒的时间和空间里。

■急速中骤停的流动，是艺术家对于这个系列作品的创造灵感。

高温下熔化的玻璃在模具中流动，随着温度降低并最终确立姿态。似乎失控的造型，扭曲到极致，一如多年来艺术家内心的挣扎。颜色在玻璃浆流动中，如此不可思议的控制在几近完美的位置上，仿佛看到朱丽叶内心有着叛逆、逃离、边缘、极致, 有着沉稳、精准、细腻，还有着深藏在血液里，家族沉淀几百年的艺术基因。

《向爱飞行》

■古希腊和古罗马人称之为“Birds of the Muses”，即希腊神话女神缪斯的鸟儿。千古以来，蜜蜂象征了某种理想人格。无人知道是什么东西促使工蜂天天自动自觉采花蜜、酿蜂蜜，并一生一世事奉一个蜂后，忠于一个蜂巢的。

《海胆》

■Echinoida 是海胆的拉丁语。这个系列的作品，由于鲜艳的色彩和大小产生的相对性，对观赏者构成迷人的吸引力。如同是海洋之歌里的波浪, 在消失之前的并发, 真是一件迷人的作品。

朱丽叶的作品常以塑造灵感源头来命名。但是“Echinoida”的想法比较简单。创造完的时候, 她发觉这个系列看起来像反向海胆。

《不确定原理》

■不确定原理，是维尔纳·海森堡于1927年首次论述。朱丽叶的作品《不确定原理》系列，是对通过玻璃艺术对这一理论的表达。在艺术家眼中，不确定原理与pate-de-verre的技术相呼应：即，玻璃的流动无法预知，就如同粒子的运动，他们将如何合并在一起以及最终的结果是什么，将最终是一种不确定。

朱丽叶的作品捕捉由时间凝固转瞬即逝的瞬间, 您可以想像当您在移动观看作品时, 琉璃内在的颜色流动，随着观赏者的眼睛继续盘旋和延伸, 短暂的被捕获流动性，强调了一种观赏者与自我内心里的前进或者停止的挣札。

作为艺术家，朱丽叶是作品的源头，但作品创作的过程里，每一种颜色，每一种扭曲，甚至长度都会不断变化。任何一个改变，无论大小如何，都会让作品形成完全不同的样貌。用玻璃，捕捉这些不可预知的瞬间，成为朱丽叶创作的艺术追求。

《协奏》

■作品《协奏》的命名Counterpoint，源自于拉丁文punctus contra punctum，意思是“音符对音乐”，是一种非常古老的音乐写作方法，讲求规律、对称，相当接近数学方程式的思考。音乐家巴哈的音乐是对位法则的代表作，由于意旋律间的协调，因此这样创作出来的音乐充满规律、和谐、愉悦感。

朱丽叶的《协奏》里，每一件作品里的每一个细节、每一颗气泡，就像创作者精心布局的一个个音符，透过数理般的理性组合，合奏出优雅的旋律。

《水母》

■刺胞动物 , 也被称为“一半”，像一个显示内部的切口，让本该深深隐藏的内在，终于被看见。

朱丽叶的创作来源丰富，她对此描述：在我的许多创作中，命名是塑造灵感的基础。我从自然形状中，获得了很多灵感。

《反之亦然》

■朱丽叶的作品似乎互相流淌; 你看不出哪一边是头, 哪一边是尾.因为她的雕塑类似于球体：没有角度，没有边缘，没有头，没有尾，只有一个连续的表面, 朱丽叶使用名称作为双语.其实没有 “other way around”,而只有“round”，存在主义的斗争，通过雕塑的创作和玻璃的透明，被诠释概括。

这让人想起美国作者 [托马斯．斯特恩斯．艾略特] 不朽的话语: “在我的开始是我的结局。在我的结局是我的开始. Vice Versa由这句话简明扼要地定义: 开始和结局, 头和尾 是同一个，也是一样的. 朱丽叶。

三楼展出作品

张毅、杨惠姗

杨惠姗和张毅相信艺术是文化的一部分，文化是传统，文化是生活。艺术，必须与时代有关系，与艺术家走过的路有关系，与创作者的生命情感、民族情怀有关系，它才不是一片虚无。杨惠姗和张毅以琉璃艺术，连接传统文化与现代创作方式，让真正属于东方的哲学与美学，重新进入当代西方艺术的视野。30多年来他们不间断地用琉璃这个材质传播中华文化之美，推动文化“走出去”。

杨惠姗

杨惠姗，1987年开始投身琉璃艺术创作，苦心学习、研究并成功实验、重现古中国的“琉璃脱腊铸造法”。二十年来，杨惠姗以独特的艺术天分和敏锐的观察力，揉合对生命的感悟，创作出富含中国传统与人文思想的作品，并针对琉璃材质的特性，做了深度探索，屡屡开拓出新的技法和表现形式，将琉璃艺术的当代意涵，以全新视角开拓与诠释。

杨惠姗、张毅在台湾创立了华人世界第一个琉璃品牌——琉璃工房。在世界琉璃艺术蓬勃发展，却独缺中国琉璃的情况下，琉璃工房选择以“脱蜡铸造法”(pate-de-verre)将中断数千年的中国琉璃文化传承下来。杨惠姗、张毅从一无所知的黑暗中摸索，将“脱蜡铸造”提升到过去全世界不曾有过的水平，更重要的是，以这个技法述说琉璃工房与民族文化、历史的情感。

众生万法还有情

在“无相无无相”系列中，她一改琉璃作品中气泡即为杂质的固有观念，反而大胆使用气泡元素，将琉璃佛像脱蜡铸造后，再进行二次浇灌，形成一种似有若无的存在。透过无尽的气泡，升腾而起的既是虚幻，又似生命——一尊透明的作品，冷冽静谧，也热闹非凡，好像一整个小宇宙般绚丽。古往今来多少生老病死、爱恨情仇，全被寄托于此，任人领悟。

千手千眼千悲智

展馆中最大的一座“千手千眼”彩塑佛造像，正是杨惠姗从莫高窟493窟中的佛像壁画中得到震撼和启发，将其完整的姿态修复出来。随后，她又以琉璃雕塑出三尊大小不同的作品，分别陈列于上海琉璃艺术博物馆、敦煌莫高窟和台湾佛光山。尤其是佛光山这座，为了制成一尊足以匹配大殿规模的大型塑像，杨惠姗爬上脚手架，一做就是几天不眠不休，脚部水肿得连鞋子都难以脱下。杨惠姗仍然不满足于眼下的成品，她希望能将四米高的泥塑泥塑烧制成琉璃，她说这是自己的今生大愿。

杨惠姗将玻璃艺术的语言特质，结合了她个人人生的阅历，让玻璃艺术诠释了一种东方的、生命的、形而上学的哲思，这是艺术创作和真实生命的奇特结合。

杨惠姗与张毅在佛理哲学上有着极高的领悟，这也直接体现在了他们的作品上。杨惠姗老师制作出来各种各样的佛像，尤其对无相无无相的理解更深了一层，佛存在的根本，是人的烦恼，对生命无常的不安。生命无常而短暂，从这些佛像之中能感受到佛的慈悲，不安的智慧，得到心灵上的片刻宁静。

张毅

张毅的作品看起来就颜色分明了许多，多以花卉为主。

他所创作的“一花一世界”系列感受到了中国的历史文化与蕴藏其中的人生哲理。自然界花开花谢，短暂永恒，就如同生命般无常，生死轮回也是自然界永恒不变的定律。他与杨惠姗的作品一样表达了东方佛学哲学，真正的大智慧是能够看穿一切生命的本质和无常。

心湖兰影

千年不变的， 是幽静的独舞， 绽放的光， 映在心底，成了一片湖。

独秀

半圆，将满，心坚定。春意，穿越荆棘；一瓣瓣漾开，静娴安详。

1993年以来，张毅先后于台北、北京、上海等地举办国际琉璃艺术大展，改变中国琉璃与世界绝缘的局面。2006年更创办上海琉璃艺术博物馆，旨在收藏和保护中国古琉璃，典藏近现代玻璃艺术家的卓越作品，汇聚了东、西、古、今的琉璃精华。

张毅，拥有非凡眼光的艺术家、评论家和策展人，在经历太湖石、自在、焰火禅心的创作后，《一抹红》的色彩表现出惊人的绚丽。作为本次影像展览主题的《一抹红》，艺术家在创作上打破多重边界，以民族的创作语汇和色彩，将哲学与诗意在琉璃的色彩与气韵的流动中全力呈现。如果用看待意大利文艺复兴的历史之眼，对比早前一个世纪的中国宋朝，可以发现新展的影像画作何尝不是一次伟大宋代山水的“文艺复兴”。

每一幅《一抹红》影像画作上那一抹红，溶于山水之中，在云雾中迷漫流荡，以琉璃的独特材质基础，将宋代山水的空间感立体表现出来。晕染，这是宋画中的山水，也是艺术史上从未出现的语言。“人生如梦幻泡影，心中还有一抹红”，在山水中感受哲学与诗意，这是张毅在了解人生无常之后的静定领悟，百般淬炼后依然有热情与勇气。

入夜之后，琉璃博物馆转身成为一个艺术沙龙。白天的展台在机械的控制下缓缓下沉，成为吧台。收藏在展台一侧的椅子伸展开来。

此时，阳光下的琉璃墙在灯光映照下变成色彩斑斓的动感彩屏。游客可以边享受酒吧风情，边欣赏琉璃的清凉滋味。而且，在馆内品尝佳酿甜品时使用的所有餐具都是琉璃艺术品，让人爱不释手。

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